Questo articolo sulla storia del design si inserisce, cronologicamente, tra la Storia del Design: Dall’origine all’Art & craft e la Storia del Design: La Bauhaus tra Modernismo e Funzionalismo. In questo articolo, infatti, parleremo della “rivoluzione” artistica e intellettuale avvenuta tra la fine dell’Ottocento e i primi decenni del Novecento.
Negli anni Sessanta e Settanta dell’Ottocento, in Inghilterra, William Morris e altri intellettuali reagiscono agli effetti della Rivoluzione Industriale. Criticano la produzione seriale, la perdita della qualità artigianale e la separazione tra arte e lavoro.
Grazie a questi movimenti il design si evolve in una disciplina olistica, che abbraccia non solo la progettazione di oggetti industriali, ma anche di arredi, edifici e comunicazione visiva. Dai movimenti secessionisti emergono le principali correnti del primo modernismo europeo, tra cui il Liberty, mentre nelle decadi successive si svilupperanno movimenti come l’Art Déco.
L’Art and Crafts
Con lo stile neogotico che si diffuse a partire dal XVIII, nella seconda metà dell’800 si consolidò in Europa e Stati Uniti un certo Gothic Revival, con un intento fortemente polemico nei confronti della società industriale. Si tratta di una presa di posizione esplicita contro la cultura, il gusto, il nuovo modo di lavorare e il mercato che i principali esponenti del movimento Art and Crafts, Morris e Ruskin, condividevano.
I principi fondamentali del movimento Art and Crafts si basavano, dunque, sull’analisi della degenerazione dei gusti dovuto al condizionamento subìto dal consumatore, dall’artista e dal produttore, da parte della moderna struttura sociale e dal sistema economico-industriale. Per comprendere meglio a quali sistemi si riferissero Morris e Ruskin, può servire da approfondimento questo articolo sul design britannico.
L’idea a torno al quale ruotava il movimento dell’Art and Crafts era la Gilda medievale (Guild): un laboratorio in cui arte, artigianato, progettazione e produzione tornano ad essere un tutt’uno, anticipando l’idea del laboratorio-officina che si svilupperà a Vienna agli inizi del XX secolo.
Così nel 1888, il gruppo di architetti e artisti membri della Art-Workers Guild fondò la “Art and Craft Exhibition Society“, per diffondere le nuove produzioni nell’ambito dell’arte e dell’artigianato, promuovendo il decorativismo e il ritorno ad un tipo di produzione tipico del villaggio medievale. L’Arts and Crafts introduce un principio che sarà fondamentale per tutte le successive secessioni:
L’artista non deve essere subordinato né al mercato né alle istituzioni accademiche.
Dall’Inghilterra all’Europa le idee di William Morris si diffondono rapidamente nel continente, così, negli anni Ottanta del XIX secolo, emerge una nuova generazione di artisti che ritiene le accademie incapaci di rappresentare la modernità. Gli artisti più innovativi iniziano quindi a organizzare mostre autonome e proprio da qui che nasce il concetto di secessione.
Le secessioni artistiche
La prima vera secessione organizzata nasce a Monaco di Baviera nel 1892. Un gruppo di artisti guidati da Franz von Stuck e altri pittori abbandona l’associazione ufficiale degli artisti tedeschi. Le loro richieste erano la libertà espositiva, l’apertura alle nuove ricerche e il superamento del monopolio accademico. Monaco diventa così un importante centro internazionale nel quale convivono simbolismo, naturalismo e nuove tendenze decorative, rappresentando il modello organizzativo che verrà imitato altrove.
Pochi anni dopo nasce la Berliner Secession. Anche qui il conflitto è con l’accademia e con la politica culturale dell’Impero tedesco. Tra i protagonisti troviamo: Max Liebermann, Lovis Corinth e Walter Leistikow. La novità della secessione berlinese è una maggiore attenzione alle avanguardie internazionali come impressionismo; post-impressionismo; simbolismo.
Senza dubbio, però, la più famosa delle secessioni artistiche fu quella austriaca. Nel 1897 un gruppo di artisti abbandona il Künstlerhaus, l’associazione ufficiale degli artisti austriaci. Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann e Josef Maria Olbrich vengono riconosciuti come i più influenti interpreti di quel primo modernismo. Il loro motto diventa:
“A ogni epoca la sua arte, all’arte la sua libertà.”
Così a Vienna il movimento assume una portata molto più ampia rispetto alle esperienze tedesche. Non riguarda solo la pittura ma l’intero progetto culturale: architettura, grafica, editoria, design, arredamento e arti applicate. L’obiettivo è realizzare il Gesamtkunstwerk, l’“opera d’arte totale”, cioè l’integrazione di tutte le discipline artistiche in un unico sistema coerente.
Uno degli strumenti più importanti della diffusione secessionista fu la rivista Ver Sacrum (1898-1903). Non era soltanto una pubblicazione artistica ma un vero laboratorio sperimentale, grazie a nuove impaginazioni, utilizzo di una tipografia innovativa, illustrazione integrata al testo e linguaggio grafico unitario. Molti principi della grafica moderna nasceranno da queste esperienze.
Nel 1898 Joseph Maria Olbrich realizza il celebre edificio della Secessione di Vienna. L’architettura di questo edificio diventa un manifesto ideologico e propone i concetti visivi che caratterizzeranno le nuove correnti stilistiche: forme geometriche, forme naturali semplificate, decorazione controllata, superamento delle citazioni storiche, inserimento di figure arcaiche o esotiche. La celebre cupola dorata di foglie metalliche diventa il simbolo del movimento.
L’Art Nouveau
Il termine secessione indicava la volontà di un gruppo di artisti e progettisti di emanciparsi dalle istituzioni ufficiali, giudicate incapaci di interpretare le profonde trasformazioni sociali, tecnologiche e culturali della modernità.
Le diverse Secessioni, però, non costituirono uno stile unitario, ma rappresentarono il terreno culturale sul quale si sviluppò gran parte dell’Art Nouveau. Se la secessione esprimeva una presa di posizione ideologica contro l’accademismo, l’Art Nouveau ne tradusse i principi in un linguaggio visivo riconoscibile.
Arts and Crafts e Art Nouveau furono profondamente influenzati dal fenomeno del Giapponismo, diffusosi in Europa dopo l’apertura del Giappone ai commerci internazionali nella seconda metà dell’Ottocento. Le arti decorative giapponesi offrirono agli artisti occidentali nuovi modelli compositivi, fondati sull’asimmetria, sulla semplificazione delle forme e sulla stilizzazione degli elementi naturali.
Inoltre, le stampe ukiyo-e, come “La grande onda di Kanagawa” di Katsushika Hokusai ebbero un forte impatto sulla cultura visiva europea e contribuirono a plasmare l’arte nuova del ‘900.
Dal punto di vista formale, essa si caratterizza per l’impiego di una linea organica, sinuosa e dinamica, frutto di una raffinata sintesi di influenze storiche e culturali. Da un lato, il movimento recupera dal Gotico il senso del dinamismo e del decorativismo fitomorfo e dal Barocco l’utilizzo della luce e la fluidità delle forme; dall’altro, rielabora tali suggestioni attraverso il linguaggio stilizzato e la sensibilità artigianale promossi dall’Arts and Crafts, che aveva restituito centralità al valore decorativo della natura.
Da queste convergenze nacque un linguaggio decorativo nuovo nel quale fiori, foglie, rami, insetti e figure femminili si trasformano in motivi ornamentali fluidi e continui, capaci di integrarsi organicamente con la struttura del layout, dell’oggetto o dell’architettura.
L’Art Nouveau divenne in breve tempo un fenomeno internazionale che assunse nomi diversi a seconda dei paesi: Jugendstil in Germania, Sezessionstil in Austria, Modern Style in Gran Bretagna, Modernisme in Catalonia, Liberty in Italia.
Mentre negli Stati Uniti, esso, trovò una delle sue espressioni più celebri nelle creazioni di Louis Comfort Tiffany, le cui vetrate e lampade contribuirono a definire l’immaginario dell’Art Nouveau americana. Tutte queste esperienze condivisero l’ambizione di integrare arte, architettura, grafica, artigianato e design in una nuova concezione della vita moderna.
Dal punto di vista progettuale, si perseguì l’ideale dell’opera d’arte totale (Gesamtkunstwerk), secondo il quale architettura, arredamento, grafica, arti decorative e oggetti d’uso quotidiano dovevano essere concepiti come parti di un unico sistema estetico. L’ornamento non veniva più applicato superficialmente alla struttura, ma nasceva dalla struttura stessa, fondendosi con essa in un organismo unitario.
Per questa ragione l’Art Nouveau può essere considerato uno dei primi movimenti autenticamente moderni della storia del design: per la prima volta il progetto venne inteso come un’attività capace di coordinare discipline differenti e di definire in modo coerente l’intero ambiente di vita.
Un caso interessante nel contesto italiano è il Chiosco della Musica della Villa Bellini di Catania, innalzato nel 1879 nell’ambito della sistemazione del giardino progettata da Filadelfo Fichera e completata nel 1883.
Quest’opera viene spesso considerata un esempio di Liberty italiano per l’eleganza delle sue strutture in ferro e per il ricco apparato decorativo. Tuttavia, il chiosco precede di oltre un decennio l’affermazione di questo movimento in Italia. Le fonti specialistiche lo descrivono infatti come un’opera di gusto eclettico e orientalista, caratterizzata da elementi neo-moreschi e dall’impiego decorativo della ghisa, materiale che nella seconda metà dell’Ottocento consentiva di realizzare strutture leggere e raffinate.
Proprio questa combinazione di motivi ornamentali, leggerezza costruttiva e utilizzo del metallo ha probabilmente favorito, in epoca successiva, la sua associazione con il linguaggio Liberty, pur appartenendo a una fase precedente e ancora pienamente inserita nella cultura eclettica ottocentesca.
Difficile, però, non notare la somiglianza del Chiosco della Musica con quelli che vengono considerati gli esempi più significativi dell’Art Nouveau come gli ingressi della metropolitana di Parigi, progettati da Hector Guimard e diventati uno dei simboli del movimento;
Infine, le sinuose forme organiche vengono portate all’estrema conseguenza dalle architetture di Victor Horta a Bruxelles, nelle quali colonne, ringhiere e decorazioni sembrano svilupparsi come forme vegetali; e le opere di Antoni Gaudí a Barcellona, che reinterpretano la natura attraverso soluzioni strutturali innovative;
Un nuovo settore industriale: il design grafico
Durante il periodo Art Nouveau, la grafica si affermò come un nuovo e autonomo settore industriale, strettamente legato alla crescita della produzione di massa, dei consumi e dei moderni mezzi di comunicazione.
L’espansione dell’industria e delle tecniche di stampa rese necessario promuovere prodotti, eventi e servizi attraverso manifesti, cataloghi, riviste e confezioni, dando origine a una crescente domanda di professionisti specializzati nella comunicazione visiva.
In questo contesto, artisti come Alphonse Mucha, Henri de Toulouse-Lautrec e Jules Chéret trasformarono il manifesto pubblicitario in un potente strumento commerciale e culturale, coniugando arte e marketing. La grafica divenne così parte integrante del sistema produttivo moderno. Una disciplina progettuale in grado di influenzare il mercato, costruire identità riconoscibili e favorire il successo dei prodotti all’interno della nascente società dei consumi.
Tra le principali innovazioni dell’epoca Art Nouveau vi furono il perfezionamento della litografia a colori, che rese possibile la produzione economica di manifesti di grande formato, e l’introduzione di nuove tecniche tipografiche che permisero una maggiore libertà compositiva.
La stampa industriale favorì la diffusione capillare di immagini pubblicitarie nelle città, trasformando le strade in vere e proprie gallerie visive. Tra gli esempi più significativi, i manifesti di Alphonse Mucha per Sarah Bernhardt rivoluzionarono il linguaggio pubblicitario grazie all’uso di figure femminili eleganti, linee sinuose e decorazioni floreali.
In Francia, Jules Chéret sviluppò il manifesto moderno come mezzo di comunicazione di massa, mentre Henri de Toulouse-Lautrec introdusse composizioni innovative, colori piatti e una forte sintesi grafica nei celebri manifesti per il Moulin Rouge. Anche nel settore editoriale si assistette a importanti sviluppi: riviste come The Studio in Inghilterra e Jugend in Germania diffusero il nuovo stile a livello internazionale, contribuendo alla nascita di una cultura grafica moderna.
DESIGN COMPLETO: dal prodotto alla comunicazione
Un esempio significativo del passaggio dall’Art Nouveau alla modernità industriale è rappresentato dall’identità visiva dell’AEG (Allgemeine Elektricitäts-Gesellschaft), sviluppata da Peter Behrens a partire dal 1907.
Questa esperienza nasce nel clima di rinnovamento delle arti applicate promosso dalle Secessioni e introduce un approccio completamente nuovo alla comunicazione aziendale. Per la prima volta un’unica figura professionale venne incaricata di coordinare tutti gli aspetti della rappresentazione di un’impresa: logo, tipografia, pubblicità, cataloghi, prodotti, esposizioni e persino gli edifici industriali. Non a caso, nello studio di Behrens si formeranno i futuri protagonisti dell’architettura e del design moderni come Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe e, per un breve periodo, Le Corbusier.
Ogni elemento, dalla grafica ai prodotti fino agli edifici, contribuiva a comunicare gli stessi valori di efficienza, innovazione e affidabilità. Il linguaggio adottato da Behrens si distingueva nettamente dall’estetica organica dell’Art Nouveau. Le linee sinuose e le decorazioni floreali lasciano spazio a forme geometriche, strutture razionali e una maggiore attenzione alla standardizzazione industriale.
Behrens non progettò semplicemente singoli artefatti, ma sviluppò un sistema visivo coerente che consentiva all’azienda di presentarsi al pubblico con un’identità riconoscibile e uniforme. Tra i suoi lavori più celebri vi sono i manifesti pubblicitari per l’AEG, la progettazione di apparecchi elettrici destinati alla produzione seriale e la celebre Turbinenfabrik di Berlino , considerata uno dei capolavori dell’architettura industriale moderna.
In questo modo il progetto non aveva più soltanto una funzione estetica, ma diventava uno strumento strategico per organizzare e comunicare l’identità dell’impresa. Si tratta di una prima forma di funzionalismo che caratterizzerà il design di tutto il ‘900, per questo l’esperienza dell’AEG viene oggi considerata uno dei primi esempi compiuti di corporate identity e rappresenta un passaggio fondamentale nella storia del design.
Conclusione
Le innovazioni culturali, tecnologiche e artistiche di questo periodo trasformarono profondamente il design in un concetto ampio e articolato, capace di integrare arte, tecnologia e commercio e di porre le basi di molte pratiche progettuali contemporanee.
Attraverso il lavoro di Peter Behrens, infine, il design iniziò a configurarsi come una disciplina in grado di coordinare comunicazione, produzione e architettura all’interno di una visione unitaria. Un approccio che avrebbe influenzato profondamente il Werkbund, la futura Bauhaus e, più in generale, l’intera cultura del design del XX secolo.
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